Buste du docteur Garnier, 1846, bronze
Place de la Laiterie

Les portraits en buste constituent une part importante de l’oeuvre du sculpteur angevin. Produits majoritairement en dehors des circuits officiels des grandes commandes publiques, ces portraits sont pour lui l’occasion de rendre hommage aux hommes qu’il juge dignes de passer à la postérité. Ses modèles incarnent des exemples de vertu que le public doit suivre. Ses héros sont surtout ses contemporains.

Le buste colossal du médecin angevin François-Claude Garnier (1759-1844) a été réalisé en 1846 et installé sur la fontaine de la place de la Laiterie en 1872. De nombreux autres bustes de David d’Angers sont exposés dans la galerie David d’Angers, rue Toussaint.

Pi piquant de façade, 1=12°, 2006, 15 tubes d’argon bleu de 140 cm
Musée des Beaux-Arts, façade du bâtiment des réserves

François Morellet est l’un des représentants majeurs de l’abstraction géométrique, fondateur en 1960 du groupe de recherche d’art visuel (GRAV). Après une brève période figurative à ses débuts, Morellet se tourne vers l’abstraction. Depuis 1952, son oeuvre est fondée sur une conception systématique de l’art. Désireux de réduire au maximum sa responsabilité de créateur, il met en place des règles et des contraintes qui, associées au hasard, à la rigueur, à la neutralité de l’exécution, à l’absence de message, produisent des oeuvres d’une grande diversité. Peintures, sculptures, estampes, néons, installations et intégrations architecturales composent une oeuvre en perpétuelle évolution, à laquelle la dérision, la légèreté et l’humour des titres donnent une saveur supplémentaire.

Au sein du système des Déclinaisons de Pi, le Pi piquant de façade, 1=12°, appartient à la série des "Pi piquants". Offert au musée au moment de l’exposition que celui-ci lui a consacré pour ses 80 ans en 2006, il utilise le néon, matériau que Morellet a intégré dans ses oeuvres dès 1963. Il y décline des "cheminements de Pi", cette "figure infinie au cheminement imprévisible qui se génère lui-même".

Per Adriano, 2004, bronze
Place Saint-Éloi

Per Adriano est un visage déchiré, écorché. On n’en distingue que la bouche, le nez et le regard vide. Le reste est absent. Dans l’oeuvre d’Igor Mitoraj, formé à l’Académie des beaux-arts de Cracovie puis à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, les fragments de corps témoignent de la fragilité et de la précarité de l’existence humaine. "Mes corps sont abîmés, car c’est notre vie qui est abîmée. Aujourd’hui, avec les nouvelles technologies, on s’isole, il n’y a plus vraiment de relations entre les
gens."

L’artiste a pour thème de prédilection le corps humain: ses sculptures, souvent monumentales, traduisent, par, leur idéalisation, l’influence majeure de la statuaire de l’âge classique grec. Ses sculptures investissent l’espace public. Il connaît d’ailleurs un grand succès par une installation aux jardins de Boboli du palais Pitti à Florence en 1999 puis au jardin des Tuileries à Paris en 2004.

Monument aux morts d’Angers, 1922, bronze (socle en pierre)
Place du Général-Leclerc

Dès 1919, la Ville d’Angers commande au sculpteur Jules Desbois un monument pour célébrer les morts de la Première Guerre mondiale. Le monument en bronze est inauguré en place publique le 29 octobre 1922. D’abord installé à l’entrée du jardin du Mail, le groupe est déplacé en 1988 devant le palais de justice.

Jules Desbois, originaire de Parçay-les-Pins (Maine-et-Loire), s’est formé à l’École des beaux-arts d’Angers puis celle de Paris. Il fut praticien dans l’atelier d’Auguste Rodin, et reprend largement sa manière dans son oeuvre. Loin des affirmations triomphantes de la victoire sur les Allemands, cette sculpture exacerbe la souffrance de la Patrie, campée en paysanne éplorée sur le corps d’un soldat mort. Le groupe est surmonté d’une figure de Victoire ailée.

La composition de la Patrie et du soldat s’ancre dans la tradition ancienne de la Piéta et du sacrifice qui lui est associé. Le corps de la femme retombe sur celui du défunt, tout en l’entourant: c’est au prix de cette souffrance humaine que s’est jouée l’issue du conflit de 1914-1918. Les femmes ont perdu leurs fils et leurs maris dans les tranchées, pour une victoire sans rachat de l’Humanité – contrairement à la piéta chrétienne.

Femme caressant une chimère, salon de 1866, bronze
Jardin des Plantes

Étudiant à l’École des beaux-arts d’Angers puis élève de Rude et de David d’Angers à Paris, Séraphin Denécheau a participé aux grands chantiers parisiens du XIXe siècle: entre autres, le palais du Louvre, l’Opéra, la gare du Nord.

Sa sculpture Femme caressant une chimère puise dans le répertoire mythologique et allégorique qui lui est familier. Une femme nue entoure de son bras gauche la tête d’un animal fantasmagorique sur lequel elle est allongée. L’artiste joue de l’opposition entre le corps lisse et sensuel de la femme, aux formes généreuses, et les poils, les plumes et les écailles de la chimère qu’elle enlace –ou étouffe? Ses cheveux se confondent avec la crinière de la bête. Le mouvement de l’échine de cette dernière relève le buste de la femme pour mieux exhiber ses courbes. Les deux corps vivants expriment ainsi le désir, entre tension et abandon.

Le bronze d’Angers a été fondu à partir d’un plâtre présenté au Salon de 1866 et lors de l’Exposition universelle de 1867. Déposée par l’État au musée d’Angers dès l’année suivante, la sculpture est installée en 1914 dans le jardin du Mail. Depuis 1859, date de la création du jardin, celui-ci s’était régulièrement enrichi de sculptures, pour devenir, à l’image du jardin du Luxembourg ou celui des Tuileries à Paris, un musée de sculptures en plein air. La sculpture est déplacée au jardin des Plantes en 1956.

La Rose des sables, 1974, tôle cuivrée sur charpente en laiton, socle en ardoise
Place François-Mitterrand

Commandée à deux artistes parisiens, Bernard Perrin et André Hogommat, cette oeuvre est disposée en décembre 1974 pour parachever la mise en valeur de la place du Ralliement. Elle représente une rose des sables.

Découvertes dans les déserts, les roses des sables sont constituées d’une roche, généralement du gypse, qui évoque les pétales d’une rose. Celle d’Angers est formée, quant à elle, de tôle cuivrée sur une ossature en laiton.
Malgré ses 3,5 tonnes et ses 6,50 mètres de haut, cette oeuvre monumentale quitte la place du Ralliement le 13 janvier 1994. Après une année passée dans les ateliers de la voirie et une restauration, elle est réinstallée place Saint-Serge, aujourd’hui place François-Mitterrand, et mise en eau à l’intérieur d’un bassin de pierre de schiste. En juin 2009, elle est à nouveau déplacée en raison de l’installation des rails du tramway et est réinstallée l’année suivante à une dizaine de mètres de là.

La Rose des sables fait partie des "sculptures-fontaines", nombreuses à Angers, au même titre que, entre autres, Le Messager de Gualtiero Busato (place La Fayette), Aqua Familia de Jacques Tempereau (avenue Yolande-d’Aragon) ou La Naissance de Vénus de Jacques Coquillay (place de la gare).

Aqua Familia, commande de la Ville d’Angers, 2000, sculpture fontaine, résine et inox
Rond-point de l’avenue Yolande-d’Aragon

L’artiste, né à Saumur, entreprend d’abord une carrière de paysagiste avant de s’investir dans la sculpture à partir de 1990. Avec cette oeuvre, il imagine et concrétise une grande fontaine où cinq sculptures monumentales, animées par l’eau, tournent sur elles-mêmes, au rythme du temps, le pourtour du bassin concrétisant le cadran.

La grande sculpture centrale, fixe, fait référence à la Vénus nourricière, à l’origine de la vie. Douze sources en jaillissent comme 12 mois, 12 heures... Les quatre autres sculptures mobiles font référence à la famille: le père, la mère, et les deux enfants également animés par l’eau. "Aqua" et "Familia", eau et famille, sont en effet pour l’artiste les sources de vie. Elles font également référence aux derviches tourneurs (membres d’un ordre musulman fondé au XIIIe siècle dont la danse évoque celle d’une toupie). La couleur dorée peut évoquer l’art sacré mais aussi l’art profane car pour l’artiste l’oeuvre "est un bijou d’or offert en parure à l’avenue Yolande d’Aragon". Les formes figuratives rappellent les arts des civilisations primitives, néolithiques, anatoliennes, égyptiennes, des Cyclades ou bien africaines.

Beaurepaire, tirage de 1987 d’après un modèle de 1884, bronze
Pont de Verdun

Dès 1836, David d’Angers forme un vaste projet sculptural destiné à l’entrée de la promenade du Mail. Il propose d’y honorer diverses personnalités d’Angers, dont le roi René. Cependant, la municipalité angevine n’est pas favorable à la réalisation d’une sculpture en l’honneur d’une figure monarchique, et lui préfère la figure du républicain Beaurepaire, plus en adéquation avec ses idées politiques. David d’Angers, républicain dans l’âme, n’y voit aucun inconvénient. Il veut rendre hommage à ce héros de la Révolution française qui organisa la défense de la ville de Verdun et qui se donna la mort en 1792 à la suite de la défaite face aux Prussiens. David d’Angers écrit à son propos: "L’homme qui a donné un si sublime exemple d’honneur national dans cette crise unique de l’histoire des peuples."

Le projet n’aboutit pas, faute de financement, et il faut attendre le 14 juillet 1889 pour que le monument, réalisé par Louis-Maximilien Bourgeois, soit enfin inauguré sur le pont de Verdun. Beaurepaire est représenté debout, en uniforme. Une jambe en avant, il appuie sa main gauche sur son épée tandis que sa main droite est ramenée sur sa poitrine, le poing serré. La sculpture est détruite en 1942, sous l’Occupation allemande, dans la perspective d’être fondue. En 1987, la Ville décide de faire une réplique de la sculpture et de l’installer à nouveau sur le pont de Verdun.

Guerrier debout, 2011, bronze
Place Bernard-Anquetil

Le Guerrier debout de l’artiste sénégalais Ousmane Sow domine l’esplanade de la gare avec ses 2,80 mètres de hauteur. Pourvu de muscles proéminents, il est vêtu d’un pagne et armé d’une lance et d’un bouclier.

La statue est acquise par la communauté d’agglomération pour la Ville d’Angers à la suite de l’exposition de l’artiste au théâtre Le Quai en septembre 2010. Son coût a été supporté par des mécènes privés ayant participé aux travaux du tramway, parmi lesquels les entreprises Eiffage Travaux publics, Transmo, Cegelec et Keolis.

Cette sculpture en bronze fait partie intégrante d’une série consacrée à la tribu africaine des Massaïs, des bergers nomades vivant au sud du Kenya et au nord de la Tanzanie. Ousmane Sow s’intéresse particulièrement aux ethnies africaines qui combattent pour conserver leur culture. L’engagement est en effet au coeur de son travail: "On lutte pour conquérir la femme qu’on aime, on lutte pour conquérir l’espace, la lutte est une façon d’exister et de reconnaitre l’autre. C’est aussi cela l’Afrique, un champ de lutte et de combat."

Au-delà des Massaïs, il s’est attaché à représenter d’autres ethnies, comme celles des Noubas (Sud-Soudan), des Zoulous (Afrique-du-sud) et enfin des Peuls (région sahélo-saharienne).

Le Messager, 2000, figure, bronze
Place La Fayette

Comme figé dans son élan, un messager court à toute enjambée, visiblement pressé. Il tient dans sa main une missive, un poème de Jacopone da Todi, prédicateur franciscain du XIIIe siècle qui fait l’éloge de la pauvreté. Ce message, comme tous ceux des "Messagers" de Busato, est pacifique. Nombre d’entre eux ont une portée spirituelle.

D’autres références, littéraires cette fois, complètent cette oeuvre: sur la terrasse où se tient la figure, apparaissent un sonnet de Shakespeare et un poème de Pouchkine. Sur les bords du bassin, sont sculptées des références aux écrivains et poètes Théophile Gautier, Friedrich von Schiller, Charles Baudelaire, Dante Alighieri et Antonio Machado.

Cette sculpture appartient à la série Les Fuites, un des sujets préférés du sculpteur. Les personnages courent, s’enfuient comme terrifiés. Leurs visages sont déformés, leurs corps courbés par le mouvement qu’accentuent les vêtements qui s’envolent.

La Grande Toccata, commande de la Ville d’Angers (réalisation in situ), 2001, ardoise de Trélazé et lave émaillée
Rond-point Blanchoin-Liberté-De Lattre de Tassigny

Françoise Giannesini commence sa carrière comme artiste-textile en s’inspirant des recherches du mouvement de la "Nouvelle Tapisserie" auxquels participent Magdalena Abakanowicz et Josep Grau-Garriga. Ses premières sculptures sont d’ailleurs tissées en laine. En 1991, parallèlement à sa création textile, elle intègre l’atelier Licata à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Elle commence alors ses premières sculptures d’ardoise.

La Grande Toccata est érigée en 2001 au sud de la ville d’Angers, au sein du quartier de la Roseraie. Cette oeuvre monumentale (6,5x7x2 mètres) est une commande de la Ville dans le cadre du projet "Fontaines pour l’an 2000". Elle a nécessité 4 tonnes d’ardoises de Trélazé taillées en 650 lames et trois mois de travail à l’artiste secondée par six sculpteurs.

Ce gigantesque monolithe est rythmé par les lames d’ardoise, de couleur froide et sombre, qui dialoguent avec trois plaques d’émail rouge. L’oeuvre est un hommage aux mineurs ardoisiers de la région mais constitue également une porte, à la fois appel au rêve et ouverture aux songes. Elle fait également référence à l’oeuvre emblématique la Toccata et fugue en ré mineur pour orgue, de Jean-Sébastien Bach, oeuvre à la puissance évocatrice.

D’autres oeuvres de l’artiste sont conservées à Angers, dans les collections du musée Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine mais également dans le hall de l’hôtel de ville (Magnificat, 1995, sculpture d’ardoise, 1,47x1x0,92 mètre).

Auriga, 1995, aluminium, 17 globes luminaires, ardoise et sable en base
Rond-point Montaigne

À l’occasion de l’inauguration du nouveau site commercial "Espace Anjou" en 1995, une oeuvre est commandée par les investisseurs privés et conçue spécifiquement pour le rond-point Montaigne.

La commande est passée à deux artistes, Jean-Max Albert, artiste éclectique (peintre, sculpteur, auteur, musicien) originaire de Loches, et Sara Holt, sculptrice et photographe américaine dont le travail s’inspire des arts et des sciences. Ils s’associent pour créer l’oeuvre intitulée Auriga.

Il s’agit pour eux d’exprimer par cette installation l’identité du lieu, de révéler la personnalité de cet espace. La géographie, la géologie, l’astrophysique mais aussi la poésie et l’histoire constituent le point de départ pour l’élaboration de l’oeuvre, créée in situ. Il s’agit d’un assemblage de cinq piliers de métal et de câbles. La convergence au sommet indique la position de la Terre. Sa forme pentagonale est inspirée par les cinq principales étoiles de la constellation "Auriga". L’ensemble des globes lumineux maintenus dans l’air par des câbles complète l’ensemble de la constellation. Aujourd’hui, la sculpture est incomplète car une partie a été démontée en raison de problèmes de sécurité.